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| Hubert y Jan van Eyck, poliptico del Cordero Mistico (1432). Gante, iglesia de San Bavon |
miércoles, 28 de septiembre de 2011
Arte Flamenco
Arte Gótico Flamenco o gótico tardío
La influencia flamenca en Europa
La pintura en Europa a partir del segundo tercio del siglo XV se caracterizará por una nueva concepción, que ofrecerá a los artistas la posibilidad de reproducir los objetos con el máximo detalle. Se va a asistir a una reacción contra la tendencia ilusionista, que en el gótico internacional había utilizado en grado sumo, en beneficio de un realismo más acusado.
Surgirá una nueva clientela que hasta ahora no había tomado parte activa en el desarrollo del arte. El refinamiento cortesano deja paso a una rica burguesía que será la que a partir de este momento encargue y compre las obras de arte.
La influencia que en torno a 1400 habían tenido los pintores de los Países Bajos en los reinos y cortes europeas queda eclipsada a partir de 1430 por la obra de Robert Campin y Jan van Eyck. La obra de estos pintores arraiga con fuerza en muchos lugares y deja huella en sus seguidores, pero unas veces, en los primeros momentos, convive con las tradiciones internacionales, y otras se transforman por los efectos de la pintura italiana del primer Renacimiento.
La región de Flandes, donde, entre otras ciudades, destacan Brujas y Gante, dependiente políticamente del duque de Borgoña, alcanza una riqueza considerable durante el siglo XV, como consecuencia de la artesanía y del comercio.
Ese momento de esplendor económico coincide con la consolidación de una escuela pictórica con una extraordinaria personalidad, que tendrá gran influencia en toda Europa, pero especialmente en la península Ibérica, al mismo tiempo que, desde Italia, se empieza a difundir en Renacimiento. Cuatro aspectos fundamentales definen la pintura flamenca del siglo XV:
• Sociológicamente, el sistema de producción artística es heredero de la tradición medieval, con un sistema gremial donde prima la concepción artesanal frente a la conciencia individual, fuertemente intelectualizada del mundo italiano coetáneo.
• Técnicamente, los pintores flamencos alcanzan una perfección tal en el trabajo del óleo que constituyen una referencia histórica indiscutible: ello permite veladuras (tintas transparentes que suavizan el tono de lo pintado), una mayor riqueza e intensidad de colorido y, sobre todo, un virtuosismo si precedentes en la ejecución.
• Desde el punto de vista de la concepción espacial de las escenas, consiguen, de manera intuitiva, un ilusionismo paisajístico en el que insertan las figuras, aun más contemporáneos, más obsesionados por los problemas teóricos de la perspectiva geométrica.
• Y, en lo que se refiere a la percepción concreta, tienen una voluntad de representar las cosas tal y como las ve el ojo humano, entendido el termino en su precisión detallista: de ahí la importancia que adquiere el retrato así como de los distintos pormenores que intervienen en una composición pictórica, pero ello favorece, paradójicamente el simbolismo de los elementos representados.
Los grandes maestros flamencos
El más grande de los pintores flamencos es Jan van Eyck (c. 1390-1441). En colaboración con su hermano Hubert, que comenzó la obra, realizó el políptico del Cordero Místico, acabado en 1432, cuya tabla central muestra las praderas celestiales, con los diversos estados de la condición humana, religiosos, magistrados, caballeros, así como las alegorías de las virtudes; estos personajes acuden a adorar al Cordero Místico en un amplio espacio exterior, típico de la pintura flamenca. De su obra como retratista, cabe destacar El matrimonio Arnolfini, que ha de entenderse como un elaborado “certificado de matrimonio”, con un complejo lenguaje de símbolos y metáforas, testimonio del rebuscado pensamiento que impregna la obra de Van Eyck, donde todos los objetos del cuadro cobran un significado : en el espejo, por ejemplo, están representados los testigos, uno de ellos, el propio pintor.
Esta corriente rechaza la exagerada belleza decorativa del gótico internacional. Los pintores flamencos colocan lo religioso en un mundo real, en un ambiente casi doméstico donde lo sagrado y lo cotidiano se combinan para obtener obras llenas de una profunda fe pero desarrolladas con gran naturalidad. Ejemplo de lo anterior es la Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea de Robert Campin.
En la escuela flamenca, el retrato adquiere una nueva dimensión, se trata de resaltar la individualidad psicológica del sujeto. En algunos de ellos la figura se coloca frente a un fondo oscuro que no distraiga la vista y por lo tanto se concentre todo la atención en el modelo.
La principal aportación de esta escuela es la utilización del aceite como aglutinante de los colores. El descubrimiento de la pintura al óleo no sólo implicó un enriquecimiento de la paleta cromática y que los colores se hicieron más brillantes, traslúcidos e intensos; sino que también se produjo una ilusión de la perspectiva a través de las "veladuras". Estas son capas de pinturas al óleo sobrepuestas que dan la sensación de profundidad, produciendo un fenómeno optico llamado "trampatojo". El gran maestro de la pintura al óleo fue Jan Van Eyck, primero en desarrollar la nueva técnica y lograr de manera convincente la representación de la luz natural.
La pintura en Europa a partir del segundo tercio del siglo XV se caracterizará por una nueva concepción, que ofrecerá a los artistas la posibilidad de reproducir los objetos con el máximo detalle. Se va a asistir a una reacción contra la tendencia ilusionista, que en el gótico internacional había utilizado en grado sumo, en beneficio de un realismo más acusado.
Surgirá una nueva clientela que hasta ahora no había tomado parte activa en el desarrollo del arte. El refinamiento cortesano deja paso a una rica burguesía que será la que a partir de este momento encargue y compre las obras de arte.
La influencia que en torno a 1400 habían tenido los pintores de los Países Bajos en los reinos y cortes europeas queda eclipsada a partir de 1430 por la obra de Robert Campin y Jan van Eyck. La obra de estos pintores arraiga con fuerza en muchos lugares y deja huella en sus seguidores, pero unas veces, en los primeros momentos, convive con las tradiciones internacionales, y otras se transforman por los efectos de la pintura italiana del primer Renacimiento.
La región de Flandes, donde, entre otras ciudades, destacan Brujas y Gante, dependiente políticamente del duque de Borgoña, alcanza una riqueza considerable durante el siglo XV, como consecuencia de la artesanía y del comercio.
Ese momento de esplendor económico coincide con la consolidación de una escuela pictórica con una extraordinaria personalidad, que tendrá gran influencia en toda Europa, pero especialmente en la península Ibérica, al mismo tiempo que, desde Italia, se empieza a difundir en Renacimiento. Cuatro aspectos fundamentales definen la pintura flamenca del siglo XV:
• Sociológicamente, el sistema de producción artística es heredero de la tradición medieval, con un sistema gremial donde prima la concepción artesanal frente a la conciencia individual, fuertemente intelectualizada del mundo italiano coetáneo.
• Técnicamente, los pintores flamencos alcanzan una perfección tal en el trabajo del óleo que constituyen una referencia histórica indiscutible: ello permite veladuras (tintas transparentes que suavizan el tono de lo pintado), una mayor riqueza e intensidad de colorido y, sobre todo, un virtuosismo si precedentes en la ejecución.
• Desde el punto de vista de la concepción espacial de las escenas, consiguen, de manera intuitiva, un ilusionismo paisajístico en el que insertan las figuras, aun más contemporáneos, más obsesionados por los problemas teóricos de la perspectiva geométrica.
• Y, en lo que se refiere a la percepción concreta, tienen una voluntad de representar las cosas tal y como las ve el ojo humano, entendido el termino en su precisión detallista: de ahí la importancia que adquiere el retrato así como de los distintos pormenores que intervienen en una composición pictórica, pero ello favorece, paradójicamente el simbolismo de los elementos representados.
Los grandes maestros flamencos
El más grande de los pintores flamencos es Jan van Eyck (c. 1390-1441). En colaboración con su hermano Hubert, que comenzó la obra, realizó el políptico del Cordero Místico, acabado en 1432, cuya tabla central muestra las praderas celestiales, con los diversos estados de la condición humana, religiosos, magistrados, caballeros, así como las alegorías de las virtudes; estos personajes acuden a adorar al Cordero Místico en un amplio espacio exterior, típico de la pintura flamenca. De su obra como retratista, cabe destacar El matrimonio Arnolfini, que ha de entenderse como un elaborado “certificado de matrimonio”, con un complejo lenguaje de símbolos y metáforas, testimonio del rebuscado pensamiento que impregna la obra de Van Eyck, donde todos los objetos del cuadro cobran un significado : en el espejo, por ejemplo, están representados los testigos, uno de ellos, el propio pintor.
Esta corriente rechaza la exagerada belleza decorativa del gótico internacional. Los pintores flamencos colocan lo religioso en un mundo real, en un ambiente casi doméstico donde lo sagrado y lo cotidiano se combinan para obtener obras llenas de una profunda fe pero desarrolladas con gran naturalidad. Ejemplo de lo anterior es la Virgen y el Niño delante de una pantalla de chimenea de Robert Campin.
En la escuela flamenca, el retrato adquiere una nueva dimensión, se trata de resaltar la individualidad psicológica del sujeto. En algunos de ellos la figura se coloca frente a un fondo oscuro que no distraiga la vista y por lo tanto se concentre todo la atención en el modelo.
La principal aportación de esta escuela es la utilización del aceite como aglutinante de los colores. El descubrimiento de la pintura al óleo no sólo implicó un enriquecimiento de la paleta cromática y que los colores se hicieron más brillantes, traslúcidos e intensos; sino que también se produjo una ilusión de la perspectiva a través de las "veladuras". Estas son capas de pinturas al óleo sobrepuestas que dan la sensación de profundidad, produciendo un fenómeno optico llamado "trampatojo". El gran maestro de la pintura al óleo fue Jan Van Eyck, primero en desarrollar la nueva técnica y lograr de manera convincente la representación de la luz natural.
miércoles, 21 de septiembre de 2011
“Mujeres de todos los tiempos” Bárbara Katz
BIOGRAFÍA
Bárbara Katz, nacida en Chile, residente en Ecuador. Estudió en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Taller de Cayon y Taller de Miguel Gayo. Exposiciones Individuales: - L´art centro de arte, junio 1992, Quito. - MS Galería de arte, enero 1996, Quito. - Atheneum Galería (World Trade Center), marzo 1997, Quito.
ANTECEDENTE HISTÓRICO
ANÁLISIS SENSORIAL
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Bárbara Katz, nacida en Chile, residente en Ecuador. Estudió en la Casa de la Cultura Ecuatoriana, Taller de Cayon y Taller de Miguel Gayo. Exposiciones Individuales: - L´art centro de arte, junio 1992, Quito. - MS Galería de arte, enero 1996, Quito. - Atheneum Galería (World Trade Center), marzo 1997, Quito.
ANTECEDENTE HISTÓRICO
ANÁLISIS SENSORIAL
ANÁLISIS COMPOSITIVO
“Ruta del Sol” Frank Gaudlitz
Su experiencia. Nació en 1958 en un pueblo cerca de Brandenburgo. En Berlín realizó sus estudios de Pedagogía y Fotografía.
Su punto de vista. La figura de Humboldt no solo es la de un enciclopedista. Su calidad humana le permitió acercarse a la gente americana.
ANTECEDENTE HISTÓRICO
En las Navidades del año 1801, durante su viaje americano, Alexander von Humboldt, al principio sin saberlo, alcanzó el antiguo camino incaico, conocido también como “Ruta del Sol”, un trayecto entre el Rio Mayo en Colombia, vía Ecuador hasta cerca de Trujillo en el Perú. Inspirado por emblemático investigador alemán y por su manera de apreciar la complejidad del mundo sin olvidar las situaciones sociales, el fotógrafo alemán Frank Gaudlitz hoy, 200 años después de la Independencia, siguió una parte del recorrido que hizo Humboldt en su viaje por América, retratando a personas en sus entornos particulares y paisajes a lo largo del trayecto.
Este recorrido actual por un camino histórico se presenta en una exposición fotográfica, cuyos retratos en combinación con las imágenes paisajísticas permiten la incursión en un ámbito cultural y muestran al asincronismo de los procesos de modernización.
La muestra que reúne 76 fotografías captadas en este viaje humboldtiano localizado específicamente en la ruta Colombia-Ecuador-Perú
ANÁLISIS SENSORIAL
La idea de Gaudlitz es exponer imágenes que jueguen con la idea de un pasado que mantiene su huella en el presente. Es así que cada una de ellas ha sido trabajada en blanco y negro con el fin de “permitir una abstracción que ayude en la construcción de un puente entre el pasado recorrido por Humboldt y la actualidad capturada en la fotografía”, como comenta su autor.
En estos retratos, Gaudlitz, nos lleva a un viaje a lo transitorio, nos muestra una mirada distinta de un terreno cambiante, puede ser mas desgastado por la contaminación o igual de hermoso con el paso de los años, mas es difícil decir lo mismo sobre las personas, pues en sus rostros se refleja el paso de los años pero las condiciones en las que habitan es difícil decir si han cambiado en algo.
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Al ser una exposición netamente fotográfica, se puede decir que entra en la rama del arte contemporáneo, es realizada en papel fotográfico, muy simple, pero los colores son llamativos y contrastan perfectamente con el medio que rodea a los retratos, la posición y la indumentaria de las personas que constan en la foto reflejan la realidad de cada uno.
RE_FUNDAR
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| "RE_fundar este pais es lo que buscan todos quienes han estado a mando, es ironico que es el unico pais en el que a una bolsa plastica se le llama funda..." | Esta obra esta hecha con bolsas plasticas recicladas, tejidas en una malla de plastico igualmente reciclado. |
"Soñaba que me querias"
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| Una niña atrapada en su cama sueña ser amada Esta obra, como la mayoria en su exposicion, es realizada con bolsas plasticas recicladas. |
“RE” Sara Roitman
BIOGRAFÍA
Nombre: SARA ROITMAN WAINMANN
Fecha de Nacimiento: 1953
Nacionalidad: CHILENA-ISRAELI
Sara Roitman empezó su carrera fotográfica a mediados de los 80 y ha desarrollado su obra a lo largo de estos años con una clara tendencia contemporánea que la ha llevado a exponer en diferentes países del mundo.
Ha estudiado en la escuela de fotografía cámara obscura en Tel Aviv Israel y se considera autodidacta en muchos campos del desarrollo de su arte.
Su obra está en colecciones privadas como en instituciones públicas como la Bienal Internacional de arte de Cuenca Ecuador.
Sobre su obra en la premiación de la VIII Bienal el jurado de premiación declara “Sara Roitman por su obra “FUTURO IMPERFECTO I, II, III“, en la que destaca la resolución formal que utiliza el espacio como parte de la propuesta. Maneja una técnica depurada con un considerable equilibrio entre los elementos, con una marcada integración de imágenes que evocan una mirada particular sobre la gente, el paisaje y sugerencias sobre la memoria”.
La obra de Sara Roitman con su tendencia contemporánea y urbana capta y reconstruye la urbe en patrones. Otro aspecto de su obra está basada en conceptos y metáforas para crear su discurso.
Ciertas obras se destacan por el uso de tecnología y las cromáticas.
ANTECEDENTE HISTÓRICO
Es una exposición artística de arte contemporáneo, la cual posibilita diversas miradas, distintas hipótesis y cumple con una sensación estética capaz de expresarse por sí misma.
Busca una mirada que evidencia lo que en la realidad es difícil captar, refugiándose así en la fotografía, la cual revela muchos puntos nunca antes vistos, siendo así uno de estos la contaminación y el reciclaje. Y con esto no solo se refiere al reciclaje de papel y demás objetos contaminantes, sino a encontrar en lo que ya no sirve, una razón, que constituyen y conforman elementos artísticos de igual manera reciclar obras ya expuestas anteriormente en distintos lugares y reeditar fotografías tomadas que han tenido potencial y son dignas de ser expuestas.
Es así como nace el nombre de la exposición “RE”, pues es un prefijo que es usado muy comúnmente, pero no todos son capaces de entender el verdadero significado. Es asi como Roitman re diseña una cartografía, propone refundar y reforzar lo anterior.
Teniendo así un juego de palabras con las cuales expresa la verdadera esencia de su exposición.
ANÁLISIS SENSORIAL
El proceso artístico de esta obra hace referencia al círculo de la vida, en las alteraciones, en el orden de las cosas, no es nada más que el propio “yo”.
Cada obra es una experiencia distinta, de eso que toma fuerza y se transforma en algo actual, algo ya antes visto pero jamás experimentado como se lo haría consciente de que ese algo volvió de manera cíclica a formar parte de nosotros nuevamente.
Es una experiencia simbólica pero estética de todo aquello que aqueja a la sociedad, pero solo se toma en cuenta si alguien más lo ha hecho primero y se lo pone delante de los ojos de aquel que se ha cegado por su miedo a ver la realidad.
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Esta exposición contiene distintas técnicas. Una de ellas es la fotografía con algunos giros, posteriormente pasa a la producción de objetos, instalaciones que reflejan su concepción estética, la misma que deja el plano bidimensional para convertirse en volumen, en intervenciones táctiles y atractivas.
Al tener obras táctiles, no solo retratos obliga a Roitman a ir mas alla de los materiales convencionales. Siendo su punto de partida el reciclaje, muchas de las obras están realizadas con bolsas plásticas de bananeras, que previamente han pasado el proceso de reciclaje.
Al tener una tendencia en el arte contemporáneo, la otra parte de las obras son fotografías reeditadas aplicadas a la realidad y a la conformación de la exposición.
Nombre: SARA ROITMAN WAINMANN
Fecha de Nacimiento: 1953
Nacionalidad: CHILENA-ISRAELI
Sara Roitman empezó su carrera fotográfica a mediados de los 80 y ha desarrollado su obra a lo largo de estos años con una clara tendencia contemporánea que la ha llevado a exponer en diferentes países del mundo.
Ha estudiado en la escuela de fotografía cámara obscura en Tel Aviv Israel y se considera autodidacta en muchos campos del desarrollo de su arte.
Su obra está en colecciones privadas como en instituciones públicas como la Bienal Internacional de arte de Cuenca Ecuador.
Sobre su obra en la premiación de la VIII Bienal el jurado de premiación declara “Sara Roitman por su obra “FUTURO IMPERFECTO I, II, III“, en la que destaca la resolución formal que utiliza el espacio como parte de la propuesta. Maneja una técnica depurada con un considerable equilibrio entre los elementos, con una marcada integración de imágenes que evocan una mirada particular sobre la gente, el paisaje y sugerencias sobre la memoria”.
La obra de Sara Roitman con su tendencia contemporánea y urbana capta y reconstruye la urbe en patrones. Otro aspecto de su obra está basada en conceptos y metáforas para crear su discurso.
Ciertas obras se destacan por el uso de tecnología y las cromáticas.
ANTECEDENTE HISTÓRICO
Es una exposición artística de arte contemporáneo, la cual posibilita diversas miradas, distintas hipótesis y cumple con una sensación estética capaz de expresarse por sí misma.
Busca una mirada que evidencia lo que en la realidad es difícil captar, refugiándose así en la fotografía, la cual revela muchos puntos nunca antes vistos, siendo así uno de estos la contaminación y el reciclaje. Y con esto no solo se refiere al reciclaje de papel y demás objetos contaminantes, sino a encontrar en lo que ya no sirve, una razón, que constituyen y conforman elementos artísticos de igual manera reciclar obras ya expuestas anteriormente en distintos lugares y reeditar fotografías tomadas que han tenido potencial y son dignas de ser expuestas.
Es así como nace el nombre de la exposición “RE”, pues es un prefijo que es usado muy comúnmente, pero no todos son capaces de entender el verdadero significado. Es asi como Roitman re diseña una cartografía, propone refundar y reforzar lo anterior.
Teniendo así un juego de palabras con las cuales expresa la verdadera esencia de su exposición.
ANÁLISIS SENSORIAL
El proceso artístico de esta obra hace referencia al círculo de la vida, en las alteraciones, en el orden de las cosas, no es nada más que el propio “yo”.
Cada obra es una experiencia distinta, de eso que toma fuerza y se transforma en algo actual, algo ya antes visto pero jamás experimentado como se lo haría consciente de que ese algo volvió de manera cíclica a formar parte de nosotros nuevamente.
Es una experiencia simbólica pero estética de todo aquello que aqueja a la sociedad, pero solo se toma en cuenta si alguien más lo ha hecho primero y se lo pone delante de los ojos de aquel que se ha cegado por su miedo a ver la realidad.
ANÁLISIS COMPOSITIVO
Esta exposición contiene distintas técnicas. Una de ellas es la fotografía con algunos giros, posteriormente pasa a la producción de objetos, instalaciones que reflejan su concepción estética, la misma que deja el plano bidimensional para convertirse en volumen, en intervenciones táctiles y atractivas.
Al tener obras táctiles, no solo retratos obliga a Roitman a ir mas alla de los materiales convencionales. Siendo su punto de partida el reciclaje, muchas de las obras están realizadas con bolsas plásticas de bananeras, que previamente han pasado el proceso de reciclaje.
Al tener una tendencia en el arte contemporáneo, la otra parte de las obras son fotografías reeditadas aplicadas a la realidad y a la conformación de la exposición.
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